(*fan absolu de musique contemporaine*)
Debussy date d´avant la première guerre mondiale et on peut considérer qu´il se situe entre le modernisme et le post-romantisme, c´est en outre le premier à avoir utilisé la gamme par ton entière dans ses oeuvres. On le considère comme le pendant musical de l´impressionnisme.
Le dodécaphonisme, par contre, serait le pendant de l´expressionnisme, et comme ce dernier, il apparaît après la première guerre en Allemagne. Son but est de se démarquer de tout ce qui avait été fait avant, et "renie" donc les principes d´harmonie et de tonalité tels qu´ils existaient avant. Il utilise donc les douze demis-ton de la gamme (donc la gamme complète, pour une gamme "occidentale" qui ne va pas au delà des demis-tons). Cette musique est souvent sérielle, c´est à dire qu´elle fonctionne sur des séries, des "groupes" de notes (pouvant aussi être assimilées à un rythme) et qui seront traitées pendant toute l´oeuvre (mouvement rétrograde, reversement, transposition, modification du rythme, superpositions, etc). Les compositeurs ont souvent commencé à composer des oeuvres post-romantiques avant de se lancer dans le dodécaphonisme : Arnold Schönberg, Anton Webern, Alban Berg, Richard Strauss (qui deviendra malheureusement compositeur officiel du parti nazi par la suite, rien à voir avec Johannes, celui des valses),... quelques oeuvres : de Schönberg, "La Nuit Transfigurée", typiquement post-romantique, puis en dodécaphonisme, "Pierrot Lunaire", "Erwartung" (très représentatifs de l´expressionnisme), d´Alban Berg "Concerto à la mémoire d´un ange" (concerto pour violon), l´opéra "Lulu" ; enfin de Richard Strauss, ses opéra sont surtout célèbres, comme "Elektra". Anton Webern a composé beaucoup de pièces très courtes (sept secondes pour une des plus courtes !) pour orchestre de chambre. Le pricnipe de musique et sérielle et d’atonalisme complet a été suivi ensuite par des musiciens comme Pierre Boulez (« Le Marteau Sans Maître »).
Le dodécaphonisme étant une musique essentiellement cérébrale, une autre mouvement se développe, en France, avec le groupe Jeune France, composé entre autre d´Olivier Messiaen et Pierre Jolivet. Ils veulent faire une musique plus "agréable" et moins cérébrale, mais leur démarche est proche du sérialisme : Jolivet utilise des modes grecques ou karnatiques (d´Inde) dans des pièces comme la "Suite Delphique", beaucoup de pièces pour flûte seule ("Ascèse",...) en général très complexes rythmiquement. Messiaen, catholique particulièrement mystique, compose des oeuvres essentiellement religieuses comme les "Trois Petites Liturgies de la Présence Divine" ou ses "Méditations" pour orgue seul, dans lesquelles il utilise un langage ou chaque note correspond à une lettre, il créé des « phrases » répétées (on parle d´ostinato) représentant Dieu, les Hommes, etc. Il s´inspire aussi de l´écriture musicale indienne (rythmiquement notamment) et créé ses propres modes de jeux (le premier étant la gamme par tons... dont je vous ai déjà parlé avec Debussy).
On trouve aussi, dans un univers complètement différent, le début de la musique concrète (Pierre Schaeffer, Pierre Henry, François Bayle, Luc Ferrari, etc), c´est Schaeffer qui la découvre en après la guerre avec notamment le principe du sillon fermé (un disque rayé, dont une séquence tourne en boucle), il faut savoir qu´à l´époque travaille essentiellement à base de disques vinyl ! Il fait d´importantes découvertes acoustique (il coupe l´attaque d´un son pour ne garder que sa résonance, le passe à l´envers, etc). Outre ses différentes "Etudes de Bruits", une pièce très importante de la musique concrète (ou électro-acoustique) est le "Poème Electronique" d´Edgar Varèse. Varèse commence à composer avant la Seconde Guerre Mondiale, des œuvres pour orchestre qu’il renie totalement après la guerre, et qu’il a en grande partie détruites… mais certaines nous sont tout de même parvenues (« Arcana », « Amériques »). Il compose ensuite essentiellement pour la percussion (« Ionisation »). Il compose le poème électronique pour qu’il soit diffusé dans le Pavillon Philips (dessiné par Le Corbusier), lors de l’Expo Universelle de 1958 à Bruxelles. L’architecture, ainsi que la pièce musicale, répondent au proportions du Nombre d’Or (proportions de la perfection, voir Léonard De Vinci pour plus d’explications). Il est un grand collaborateur de Le Corbusier et du compositeur grec Iannis Xenakis, fascinés eux aussi par le Nombre d’Or. Frank Zappa était un grand fan de Varèse.
Pour continuer sur le Nombre d’Or, il a aussi été utilisé par Béla Bartok (compositeur Hongrois) qui utilisait beaucoup la musique traditionelle des pays de l’Est dans ses œuvres (« danse roumaines », ou encore des rythmes d’inspiration bulgare dans « Mikrokosmos » pour piano). L’œuvre la plus représentative de l’utilisation du Nombre d’Or est la « Musique pour cordes, percussions et célesta » ou chaque entrée d’instrument, chaque intervalle, chaque rythme, est pensé et calculé !
Je vous parlerais enfin de la musique répétitive américaine qui est apparue dans les années 60-70, avec des compositeurs très expérimentaux comme LaMonte Young. Une autre grande figure de ce type de musique est Steve Reich qui, sur des bases de tapis sonores, intègre parfois des sons concrets (bruits de ville dans « City Life », bruits de trains dans « Different Trains »). Il est considéré également comme le fondateur du « phasing » : un motif se répète en boucle, on y superpose le même avec à chaque fois un peu de retard, d’où décalage progressif… avant que les deux se retrouvent et que le processus recommence (vous avez suivi ?^ ^). Il écrit dans cette optique les « Piano Phase », les « Violin Phase » ou encore les « Nagoya Marimbas ». Très inspiré par la musique rythmique et par les rythmes africains, il écrit beaucoup pour le marimba (« Six Marimbas »). C’est aussi lui qui a écrit le célèbre « Clapping Music ». Philip Glass est un autre compositeur répétitif, mais qui délaisse un peu l’expérimentation au profit du lyrisme… il a signé un concerto pour violon, ainsi que de nombreuses BO de films (The Truman Show, The Hours, Mishima, etc).
Mais tout ça n’est qu’une toute petite explication d’une petite partie de la musique « contemporaine »…
