3. La Réverbération à Convolution 
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3.1. Algorithme VS Convolution
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La grande différence entre une réverbération à algorithmes et une réverbération à convolution, est que, pour une réverbération à convolution, on utilise des samples d'espaces réelles. Les réverbérations à algorithmes par contre, sont utilisées pour produire une simulation d'un espace.
3.2. Fonctionnement
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Si on utilise la réverbération à convolution, on combine la réponse impulsionnelle d'un espace avec un signal audio.
Il faut d'abord enregistrer une impulsion courte dans l'espace désiré. Ces signaux ont comme caractéristique essentielle de parcourir toutes les fréquences du spectre audible.
3.3. Enregistrement d’une Réponse Impulsionnelle
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On place un(/des) microphone(s) dans un espace et on enregistre sa réponse impulsionnelle, c'est-à-dire, la réverbération à partir d'un son qui parcourt toutes les fréquences.
Le son à enregistrer pourra être une impulsion courte1 (par ex. un coup de feu de revolver, l'explosion d'un ballon,...)
Le coup de feu, ou „l'impulsion' (=„spike' en anglais), décrit le son dry. Les réflexions, ou „la réponse impulsionnelle', décrit le signal wet.
Les résultats sont suffisamment bons, mais cette impulsion présente quelques problèmes : elle est trop courte (la quantité du son sera faible), elle présente peu d'informations en hautes et en basses fréquences, et c'est extrêmement difficile d'enregistrer une impulsion parfaite sans distorsion. En plus, les systèmes des haut-parleurs n'arrivent pas à reproduire une impulsion courte sans ajouter leur propre coloration.
Si on veut obtenir des meilleurs résultats, on enregistre une „sine-wave sweep' qui est transmis par des haut-parleurs. Cette sweep parcourt toutes les fréquences pendant quelques secondes. Ce signal produit un meilleur rapport signal/bruit et le système des haut-parleurs n'ajoute plus une coloration.
3.4 Utilisation
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On utilise ensuite cette réponse impulsionnelle dans un plugin de réverbération à convolution.
Ce plugin se charge d'appliquer la réponse impulsionnelle sur l'onde sonore qui lui est envoyée.
On se retrouve donc avec une onde sonore réverbérée telle que si elle avait été émise dans le lieu où la réponse impulsionnelle à été enregistrée!
3.5. La Qualité
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La qualité d'une réponse en impulsion dépend surtout (uniquement) de l’enregistrement de départ. Le choix de la source (impulsion/sweep) et la qualité du matériel (haut-parleurs, micros,...) est essentiel.
On peut très facilement télécharger des samples d'espaces qu'on désire sur Internet, mais il faut faire attention à la résolution. En général, ils sont enregistrés en 16bit, ce qui n'est pas assez pour une bonne réverbération. La dynamique sera de 96dB, même si les tracks audio qu'on veut traiter sont enregistrés en 24 bits.
Les meilleurs plug-ins offrent des bibliothèques énormes de samples d'espaces. Il n'y a pas que la quantité et la qualité des samples qui font la réputation d'une réverbération à convolution; l'efficacité, le nombre de paramètres réglables, les images, le nombre de réponses impulsionnelles dans un même espace, etc. sont importants. Le plug-in le plus réputé aujourd'hui est Altiverb de AudioEase
3.6. Applications
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On utilise la réverbération à convolution surtout pour régénérer un espace réel.
Un concert classique enregistré dans une salle sèche pourra sonner comme si elle était
enregistrée dans une cathédrale à Rome.3
Elle est également appliquée en cinéma en postproduction ; on peut situer les sources
dans des endroits spécifiques.4
Par contre, on n'utilise pas seulement la réverbération à convolution pour régénérer des espaces acoustiques, mais aussi pour obtenir des réponses impulsionnelles des presets des machines (des réverbs, des amplis, etc.) 5
Exemple : AmpliTube Jimi Hendrix
IK Multimedia a sorti un plug-in qui sort les sons des amplis, des effets et des pedales de distorsions rares de Jimi Hendrix.
3.7. Altiverb 6 : la référence
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Altiverb 6, créé par AudioEase, est considéré comme la meilleure réverbération à convolution, surtout parce qu'il présente une énorme bibliothèque de réponses impulsionnelles de qualité.
Chaque semaine, ils ajoutent des nouvelles réponses impulsionnelles gratuites sur leur site.
Quand on ouvre le plug-in, on peut choisir notre IR dans IR Browser. Il y a différentes réponses impulsionnelles enregistrées dans un même espace avec des caractéristiques différentes. Le cadre „Info' nous permet de visualiser ses différentes caractéristiques dans l'espace choisi (par ex. la distance de la source <--> micros). Si on change les caractéristiques de l'IR, on voit le changement dans le cadre waveform (pour le temps de la réverbération, queue de réverbération, etc.) et waterfall (caractéristiques spectrales).
On a aussi la possibilité de choisir le nombre de sources (1 ou 2 haut-parleurs) et leurs places sur scène.
On peut facilement créer ces propres espaces, appliquer des effets comme „reverse', sauvegarder des presets, utiliser des presets „Gear' (il y a par exemple des presets de l'EMT 140, Fender Super Reverb, 480L, etc.) et on peut même localiser le preset dans google Earth !
4. La réverbération dans un mix
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4.1 Introduction
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Depuis qu'on enregistre un groupe avec des prises de son de proximité de chaque instrument (et plus avec un couple), l'ensemble manque d'air.
C'est ici que rentre en jeu le processus de reverb pour recréer un environnement cohérent et un espace sonore où viennent se placer les instruments. Il n'y a pas de règles fixes pour cela, mais certaines erreurs sont à éviter!
Autant la reverb est importante pour relever la couleur d'un instrument ou pour créer un espace sonore cohérent pour un mix, autant on a vite fait de bousiller un mix en en mettant trop ou en détruisant l'espace sonore avec une réverbération incohérente!
L'excès de reverb fatigue rapidement l'écoute et rend le mix flou en noyant les instruments dans des traînées de son diffus et omniprésent.
4.2. Utilités
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1) La reverb rend les sons vivants, elle crée un environnement “habituel” d'écoute.
Nous avons l'habitude d'entendre de la reverb partout où nous allons, en permanence. Un bon enregistrement studio peut pourtant sonner froid sans reverb. En ajoutant la reverb à un son, on lui donne de la vie et on l'implante dans un environnement familier.
2) Grâce à la reverb, on peut reconstituer « l'ambiance » naturelle d'une pièce.
Exemple : en studio, on peut capturer une ambiance batterie grâce à une paire d'overhead. Le problème est que cette ambiance, si elle est très présente, peut être difficilement intégrée dans un mix. Cette ambiance est concentrée dans le bas et le medium qui peuvent être filtrés. On peut donc recréer cette ambiance par une reverb et ainsi la contrôler.
3) La reverb peut être utilisée pour créer des plans sonores, une profondeur dans un mix.
Plusieurs facteurs contribuent à la perception de la profondeur, par exemple mettre un instrument dans une pièce. On ajoute une dimension au mix en positionnant les instruments, on crée une hiérarchie. Cela peut aider si on a des effets de masques. Le problème qui peut en ressortir est qu'on peut par exemple ajouter une reverb à une voix alors qu'on veut la garder en avant plan, et faire reculer cette voix.
4) Une reverb peut rendre la localisation stéréo plus réaliste.
Exemple : une source est pannée dans la rampe stéréo, nous produisons une localisation artificielle. Une reverb stéréo peut être ajoutée à cette source mono afin de rendre cette localisation, plus large, plus réaliste et plus précise. Notons que ces reverbs stéréo doivent avoir des premières réflexions courtes et réalistes.
5) Une reverb peut remplir l'espace temporel
Pour des musiques plus lentes, des vides temporels peuvent s'avérer gênants. C'est pourquoi on prolonge certains sons avec une reverb pour combler les trous.
A l'inverse, une reverb étant un effet temporel, peut perturber la rythmique d'un morceau. Elle peut par exemple créer des imprécisions sur des éléments rythmiques.
6) On peut ajouter des reverbs « effets » pour épicer et apporter de l'intérêt aux sons.
Par exemple, les reverse reverb ou gate reverb sont ajoutées dans un but artistique, créatif. Les reverbs peuvent être automatisées ou introduites entre différentes sections d'une production pour créer du mouvement.
4.3. Pièges
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1) Les problèmes de masquage surviennent assez souvent dans un mix. L'usage d'une reverb peut résoudre ces problèmes.
-Une reverb stéréo donne la possibilité de positionner la source dans la rampe stéréo et de spatialiser en plus de l'utilisation des panoramiques gauche - droite.
-La combinaison entre un EQ et une petite reverb est aussi utilisée. On peut améliorer la distinction entre deux instruments en les envoyant dans deux reverbs différentes.
Par exemple, en envoyant les guitares dans une reverb et les voix dans une autre, on crée un espace moins naturel qui va permettre une séparation. Les deux instruments sonneront dans deux acoustiques différentes.
A l'opposé, un envoi dans une même reverb peut créer une symbiose, une harmonie entre des instruments et harmoniser un mix. Même si celle-ci n'est pas perceptible, elle va rendre le mix naturel et cohérent.
Attention : Si la reverb peut solutionner des problèmes de masquages elle peut aussi en créer
En effet, la reverb donne un son dense, large, plus long dans le temps, qui peut masquer un autre son. En « mutant » une reverb, on peut mieux se rendre compte de son action. Ce qui nous amène au fait que la reverb est à utiliser au départ de la phase de mixage car elle fait varier l’équilibre, le spectre
2) On peut changer voir déformer le timbre d'un instrument, cela dépend du choix de la reverb et des paramètres appliqués (que cela soit voulu ou non...). Quand on ajoute de la reverb sur un instrument, il est important d’écouter les modifications de timbre.
4.4. Conseils :
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1) Essayez d'enregistrer le moins de reverb possible à la prise de son.
Pour avoir la possibilité de doser convenablement au mix. Une fois qu'il y a trop d'effet sur un instrument, on ne peut plus l'enlever et le son perdra sa présence.
2) Choisir un bon dosage de reverb/retour d'effet au début du mix et ne plus le toucher jusqu’à la fin du mix.
Sinon on perturbe considérablement la balance déjà établie pour le mix.
3) N'utilisez pas une reverb pauvre et métallique sur un mix général.
4) Ne mettez pas la même reverb au même dosage partout.
Cela aplatit l'espace sonore. Il faut aussi doser cette reverb en fonction de l'effet voulu. On peut rendre un son captivant et lui donner de la présence ou encore lui donner moins d'importance
5) N'utilisez pas une reverb trop longue (au delà de 3 sec).
Elle rendra le mix brouillon et des instruments peuvent disparaître (noyés dans une réverbération floue et diffuse)
6) Eviter l'excès de réverb
Cela aura tendance à rendre les sons imprécis et distants ainsi qu'à détériorer l'intelligibilité et la localisation. L'encombrement créé peut embrouiller un mix.
4.5 La cohérence d’un mix
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Pour obtenir une bonne cohérence dans un mix on utilise deux ou trois reverbs différentes:
1) Une réverb très courte, genre ROOM (decay de 0,5 à 1 sec)
Pour simuler la pièce où on a enregistré.
2) Pour les ambiances live on choisit plutôt une CHAMBER ou PLATE (decay à 1,7 sec)
Qui s'applique un peu partout et surtout sur la batterie et les instruments rythmiques.
(Une reverb moyenne, type CHAMBER ou PLATE qu'on dose avec beaucoup de finesse permet d'ajouter du volume et de l'espace. On l'applique sur les overheads, la caisse claire, les guitares etc., en faisant très attention de ne pas en mettre trop.)
3) Une troisième reverb de type HALL ou PLATE (decay de 1,5 à 2,5 sec)
Pour traiter les voix et les instruments lead (guitare solo, saxophone etc.).
NB : La tendance aujourd'hui est d'utiliser surtout des reverbs courtes de type ROOM pour donner une impression de proximité et de densité et on utilise de moins en moins les reverbs longues!
Ah, je comptais le faire demain 
