MARK MORGAN : LE SOCLE

Né d’un père architecte et d’une mère pianiste, Mark Morgan grandit en Californie du Sud et commence à étudier le piano dès son plus jeune âge. Rapidement, il est influencé par différents artistes, de Stravinski aux Beatles, en passant par Miles Davis. La découverte de la manipulation du son par le biais de la musique électronique change sa manière d’appréhender cet univers. Entre expérimentations diverses et compositions minimalistes, il s’aperçoit, ravi, que les possibilités qui s’offrent à lui sont infinies.

Cette façon de procéder permet au compositeur d’alors 35 ans, au milieu des années 90, d’aborder avec un regard – et une oreille – neuf cette proposition que lui fait Interplay de composer pour leur titre à venir, Fallout, une bande-son en accord avec le monde post-apocalyptique qui sera mis en scène. Mark, qui étudiait déjà l’impact de la musique ambiante sur le storytelling (l’art de raconter une histoire), décide alors de mêler sonorités ethniques et industrielles pour proposer des morceaux atypiques, à la musicalité brute. Ainsi, Metallic Monks se voit rythmé par un bruit de sirène traduisant l’idée de danger avant que ne se manifestent des percussions guerrières, et Acolytes of the New God fait entendre bruits de cloches et chœurs inquiétants, expressions d’un sacré dévoyé. Deux morceaux qui traduisent à merveille l’atmosphère anxiogène et sinistre des lieux que le joueur est amené à visiter.

Lorsque Fallout 2 sort, en 1998, Mark Morgan est de nouveau le compositeur attitré du jeu. Il faut dire que son travail a été tellement apprécié – et les délais accordés pour réaliser cette nouvelle BO tellement courts – que la moitié des musiques du jeu sont tirées du premier opus. Parmi les nouveaux morceaux, on retiendra Arroyo et ses chœurs gutturaux qui invitent à imaginer les terres les plus sauvages, ou bien encore Redding, dont les quelques accords de guitare récurrents expriment la solitude et la mélancolie. Mark Morgan fera de nouveau la preuve de toute l’étendue de son talent dans un autre titre de légende, Planescape : Torment, en 1999, et composera les musiques du récent Wasteland 2 (2014), dont certains morceaux (Desert Nomads, A Ranger's Journey…) semblent calqués sur ses anciens travaux. Et pour cause, Wasteland et Fallout étant, en réalité, deux séries intimement liées.

LE VINYLE À L’HONNEUR

Maybe, du groupe vocal afro-américain The Ink Spots, est la chanson d’introduction emblématique du premier Fallout. A Kiss to Build a Dream On, de Louis Armstrong, celle de sa suite. Deux titres accompagnant, à chaque fois, un petit film en noir et blanc façon années 40-50 qui soulignent ce côté rétro devenu la marque de fabrique de la série. Une volonté de distanciation par rapport au sujet évoqué, marquée par les contrastes (il n’est pas rare qu’une musique enjouée se fasse entendre alors que l’action, à l’écran, dévoile une scène violente, voire cruelle), et un rappel de ce temps qui a vu naître l’arme atomique, dont Fallout illustre, au travers de sa contre-utopie, les possibles conséquences. Enfin, le procédé permet de jouer la carte de la nostalgie, évoquant un temps ancien où pouvait encore régner l’insouciance. Une qualité définitivement perdue dans un monde où l’atome est devenu fou.

Dans Fallout 3 et Fallout : New Vegas, ces morceaux de musique que l’on n’imagine guère à leur place que sur disque vinyle se comptent par dizaines, et peuvent être entendus par le biais de différentes stations de radio. Une façon de poser une atmosphère, mais pas seulement. De nombreuses chansons, en effet, peuvent être appréciées pour l’ironie de leur titre ou de leurs paroles. Ainsi, Let's Go Sunning (Jack Shaindlin, 1954), que l’on peut traduire par "Allons bronzer", évoque aussi bien la douceur des vacances que les brûlures de radiations nucléaires, et Big Iron (Marty Robbins, 1959) raconte l’histoire d’un duel entre un ranger et un hors-la-loi (Big Iron étant ici le nom donné à son arme ; surnom que l’on pourrait également associer aux membres de la Confrérie de l’Acier, dans leur lourde armure). Quant à I Don't Want to Set the World On Fire (The Ink Spots, 1941), qui s’échappe de l’autoradio d’un bus éventré dès l’intro de Fallout 3 avant qu’un zoom arrière ne nous dévoile une ville de Washington DC dévastée, son titre ("Je ne veux pas mettre le feu au monde") est, lui aussi, on ne peut plus évocateur.

INON ZUR : LA RELÈVE

Lorsque Inon Zur remporte le privilège de travailler sur la BO de Fallout 3 (2008), il n’est pas un inconnu dans l’univers de la musique de jeu vidéo, l’homme ayant déjà fait ses armes sur Baldur's Gate II : Throne of Bhaal (2001), Icewind Dale II (2002) ou encore Champions of Norrath (2004). Un retour aux sources, en un sens, pour le compositeur d’origine israélienne. En 2001, c’est lui, en effet, qui avait déjà signé la bande-son de Fallout Tactics. Plutôt une réussite : en respectant les sonorités et l’ambiance des premiers Fallout, Inon Zur souligne son respect du matériau originel tout en s’éloignant de l’aspect ambient pure pour ajouter à ses compositions un aspect plus dynamique et plus rythmé.

Avec Fallout 3, le divorce avec la dark ambient est consommé. La trentaine de morceaux composés par Inon Zur pour le jeu, si elles conservent pour certaines des sonorités industrielles un peu brutes, penchent cette fois sérieusement du côté de l’orchestration symphonique. Une volonté qui peut se comprendre, mais le résultat est là : plus épiques, les compositions originales de Fallout 3 se révèlent dans le même temps moins mémorables que leurs aînées en dépit de leur qualité (on pense par exemple à What Remains, planant).

En faisant appel, pour composer la BO de Fallout : New Vegas, au Lyris Quartet – un quatuor à cordes américain jouant violons et violoncelle –, Inon Zur proposera une partition d’ensemble plus intimiste, où blues chaleureux et sonorités synthétiques se mêlent agréablement. On gagne alors en immersion ce que l’on perd en emphase. Notons que quelques chansons que l’on trouve dans le jeu ont été réalisées et interprétées en interne par divers membres d’Obsidian. Ainsi, Begin Again, chanson interprétée dans le jeu par Vera Keyes (une starlette disparue que l’on peut "ressusciter" grâce à un holodisk dans l’extension Dead Money), a été composée par Justin Bell (sound designer), sur des paroles de Chris Avellone (creative lead designer) et Mikey Dowling (producer)… la femme de ce dernier, Stephanie Dowling (artiste), ayant ici joué les chanteuses ! Du vrai travail d’équipe.

L’ART DE LA TRANSITION

Le joueur de Fallout : New Vegas ne s’en rend pas nécessairement compte – c’est d’ailleurs le but –, mais la musique qui l’accompagne tandis qu’il progresse est soumise à diverses règles précises. Ainsi, les arrangements musicaux associés aux lieux que vous êtes amenés à visiter disposent de plusieurs layers (couches) : à l’orée d’une ville, le thème musical commence à se faire entendre, et plus le joueur se rapproche de son centre, plus les instruments composant le thème sont nombreux, et vice-versa.

Dans un environnement hostile, le système est quelque peu différent, l’ambiance sonore illustrant trois états : exploration (aucun danger), tension (ennemi à proximité) et combat (action engagée), le passage d’un thème sonore à un autre s’effectuant au travers d’une transition de quelques secondes (percussions qui annoncent un affrontement imminent, fade out (fondu) rapide lorsque les choses se calment...). Au milieu du désert, ce sont les sons d’ambiance (bruit du vent, coups de feu et explosions au loin…) qui dominent, accompagnés de courts morceaux de musiques atmosphériques, d’une durée de 5 à 15 secondes seulement. Les postes de radio que l’on peut trouver çà et là, quant à eux, renforcent l’immersion en ancrant le joueur dans la "réalité". Autant de détails qui traduisent le désir des développeurs de plonger le joueur dans un monde crédible, fascinant par sa seule cohérence, avant même de l’inviter à expérimenter un "simple" jeu vidéo.